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Esta presentación realizada por keith levizon, nos muestra un pequeño recuento de lo que se ha realizado en la gestión del Ing. José Luis Pacheco, desde el año 2003 hasta el 2006. En ella podremos observar en imágenes desde la reforma realizada en la Sala Ríos Reyna para el mejoramiento acústico (cambio de butacas, equipos innovadores) hasta los espectáculos con sus más destacados representantes.
martes, 28 de agosto de 2007
jueves, 2 de agosto de 2007
La Vie de Bohéme
Hace ciento once años fue estrenada una de las óperas más importantes del repertorio actual. Su primera presentación se llevó a cabo el 1º de Febrero de 1896, en el Teatro Reggio de Turín, bajo la batuta del hoy célebre director, Arturo Toscanini. Esta primera presentación fue tomada con poco entusiasmo por la crítica y artistas; sin embargo, dos meses después logra la consagración y trascendencia en la historia al presentarse (con ciertas modificaciones que realizó su compositor Giacomo Puccini) este mismo año en Palermo, con la dirección de Leopoldo Mugnone. La Bohéme es la cuarta de las doce óperas de Giacomo Puccini. Su libreto fue inspirado en la novela Scénes de la vie de bohéme de Henri Mûrger.
El Barrio Latino y Puccini
El barrio latino actualmente es una zona de encuentro turístico y estudiantil, está ubicado cerca de la Universidad de La Soborna de París. La denominación de Barrio Latino proviene de la Edad Media en el que los estudiantes hablaban el latín como lengua académica. Se destacaron entre sus calles distintos sucesos, uno de ellos fue las barricadas colocadas en las calles durante la Comuna de París. El barrio, fue una zona rodeada de estudiantes en el que la vida bohemia (vida libre) predominaba.
Tanto Mûrger como Puccini se identificaron con el barrio latino por las dificultades que cada uno tuvo que pasar en su juventud. Se alega que Mûrger era uno de los personajes de la vie bohéme y que Puccini tuvo ciertos problemas económicos como les sucede a nuestros cuatro artistas en la Bohéme. Desde temprana edad y luego de la muerte de su padre, el compositor ayudaba a su madre y hermanos con la manutención del hogar, este tocaba el órgano en la iglesia de Lucca.
Puccini, inicia sus estudios en el conservatorio del maestro Calo Angeloni, pero su primer contacto con la ópera lo tiene al ver la presentación de Aída de Verdi en Pisa. Años más tarde la Reina Margarita le concedió una beca en el Conservatorio Real en Milán, ésta era otorgada a estudiantes talentosos pero de pocos recursos. En el conservatorio compartía la habitación con Pietro Mascagni, compositor de Cavalleria Rusticana . Este es uno de los ambientes que se identifica más adelante en ópera.
Puccini fue protegido por el editor Ricordi quien le imprimió el libreto de su primera ópera Le Villa. La casa Ricordi adquirió los derechos de esta, encargando otra, Edgar. Esta segunda ópera no tuvo éxito, por otro lado se intensificaron sus problemas económicos, su madre fallece y se hace cargo de un hermano que vive fuera de Europa y de su esposa Elvira, quien estaba embarazada. Pero Ricordi no pierde las esperanzas y le propone realizar una nueva ópera haciéndose cargo éste de una bonificación para su manutención hasta que llegara el éxito.
Puccini comprendiendo la importancia del libreto y evitando un nuevo fracaso (razón por la cual tuvo conflictos con sus libretistas, pues era muy exigente) rechaza varias historias hasta que llega a sus manos la que será su primer gran éxito Manon Lescaut, estrenada el 1º de febrero de 1893, tres años antes del estreno de La Bohéme, dejando atrás con esta ópera sus problemas económicos.
Scénes de la vie de bohéme y la Bohéme
Henri Mûrger fue el creador de la novela en la que basó su ópera Giacomo
Puccini. Publicada en 1848, la Scènes de la vie de bohéme, era un relato por entregas, que trataba el tema de varios personajes y de su vida en el barrio latino. Esta novela luego fue convertida en una obra teatral en cinco actos. Mûrger debido al éxito que tuvo en París, introdujo historias que poca relación guardaba unas con otras, era un relato si se puede decir desordenado, humorístico, poco estilizado, pero que tenía como trasfondo la presencia realista de cada uno de los personajes, pues fueron habitantes de este barrio y de este mundo.
Puccini junto a sus libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, no modificaron los personajes, por el contrario organizaron la vida de cada uno de ellos hilándola y relacionándola entre sí. Pero lo mismo no sucedió con la historia, en la ópera se unifican personajes, se reducen sucesos y se obvian situaciones, quedando prácticamente un libreto innovador. A diferencia de éste, existe otro compositor quien realizó su propia bohéme estrenada un año después. Leoncavallo mantuvo la novela similar a como la había realizado Mûrger, no suprimió personajes, simplemente la hiló, pero esta ópera tuvo poco éxito a pesar de tener gran apoyo en su primera presentación.
Retomando a Mûrger y a sus personajes que se desarrollan en el mundo artístico de la época del Rey Luis Felipe de Orleáns, el primero que destaca es Rodolphe, el poeta, quien trata de hacer una representación de él mismo en su vida de bohemio. Alexandre Scaunrd, el músico, era realmente Alexandre Schann, pintor y compositor hijo de un fabricante de juguetes, quien al dejar su vida de bohemio tomó las riendas de la fábrica que su padre le dejara. Marcel, el pintor, era la unificación de la vida de dos pintores de la época, uno de ellos François Germain Lèopold Tabar, quien realizó un cuadro que iba a titular “El paso del Mar Rojo” (como se describe en la ópera), pero que finalmente lo llamó “Niobe y sus hijos asaetados por Apolo y Diana”. En los personajes femeninos igualmente existieron referencias reales como la de Mucette quien murió en un accidente marítimo y Mimì, que murió tísica.
Reales o no los personajes que escogió Puccini se mantienen, Rodolfo, Marcelo, Schaunard, Colline, Mimì y Musetta, entre ellos viven historias que en la novela le corresponden a otros personajes pero como se había dicho, fueron reelaborados. Tal es el caso de Francine quien en la novela de Mûrger fallece de una forma similar a como Puccini crea la muerte de Mimì.
La Bohéme en Venezuela y en el Teatro Teresa Carreño
La primera representación que hubo de la Bohéme en nuestro país fue en el Teatro Municipal de Caracas, antiguamente Teatro Guzmán Blanco, el 14 de marzo de 1901. Esta fue la primera ópera de Puccini presentada en Venezuela, repitiendo aproximadamente veintisiete veces desde su estreno, en distintas temporadas de óperas. Una de estas funciones fue realizada por el tenor Luciano Pavarotti junto a la soprano Ileana Sinnone, quienes interpretaron el papel de Rodolfo y Mimì respectivamente, bajo la dirección de Michelángelo Veltri, en la temporada del año 1974.
Esta ópera ha tenido mucha acogida en Venezuela. En el Teatro Teresa Carreño a los pocos años de su inauguración en 1983, ya se estaba representando por primera vez la Bohéme, interpretada en esta ocasión por la venezolana Inés Salazar, la llamada “Callas venezolana” y uno de los tenores de la ópera de Budapest Peter Kelen, acompañados por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, dirigidos por Carlos Riazuelo.
Tres más fueron las oportunidades en las que la ópera fue puesta en escena en este teatro. La última en 1996 al cumplirse el centenario del estreno de La Bohéme en Turín. La representación de este año fue realizada exclusivamente por cantantes venezolanos que se empaparon de Puccini, el barrio latino y la vida bohemia para una interpretación magistral, conjuntamente con la Orquesta Sinfónica Venezuela y su director Rodolfo Saglimbeni.
© Centro Documental
El Barrio Latino y Puccini
El barrio latino actualmente es una zona de encuentro turístico y estudiantil, está ubicado cerca de la Universidad de La Soborna de París. La denominación de Barrio Latino proviene de la Edad Media en el que los estudiantes hablaban el latín como lengua académica. Se destacaron entre sus calles distintos sucesos, uno de ellos fue las barricadas colocadas en las calles durante la Comuna de París. El barrio, fue una zona rodeada de estudiantes en el que la vida bohemia (vida libre) predominaba.
Tanto Mûrger como Puccini se identificaron con el barrio latino por las dificultades que cada uno tuvo que pasar en su juventud. Se alega que Mûrger era uno de los personajes de la vie bohéme y que Puccini tuvo ciertos problemas económicos como les sucede a nuestros cuatro artistas en la Bohéme. Desde temprana edad y luego de la muerte de su padre, el compositor ayudaba a su madre y hermanos con la manutención del hogar, este tocaba el órgano en la iglesia de Lucca.
Puccini, inicia sus estudios en el conservatorio del maestro Calo Angeloni, pero su primer contacto con la ópera lo tiene al ver la presentación de Aída de Verdi en Pisa. Años más tarde la Reina Margarita le concedió una beca en el Conservatorio Real en Milán, ésta era otorgada a estudiantes talentosos pero de pocos recursos. En el conservatorio compartía la habitación con Pietro Mascagni, compositor de Cavalleria Rusticana . Este es uno de los ambientes que se identifica más adelante en ópera.
Puccini fue protegido por el editor Ricordi quien le imprimió el libreto de su primera ópera Le Villa. La casa Ricordi adquirió los derechos de esta, encargando otra, Edgar. Esta segunda ópera no tuvo éxito, por otro lado se intensificaron sus problemas económicos, su madre fallece y se hace cargo de un hermano que vive fuera de Europa y de su esposa Elvira, quien estaba embarazada. Pero Ricordi no pierde las esperanzas y le propone realizar una nueva ópera haciéndose cargo éste de una bonificación para su manutención hasta que llegara el éxito.
Puccini comprendiendo la importancia del libreto y evitando un nuevo fracaso (razón por la cual tuvo conflictos con sus libretistas, pues era muy exigente) rechaza varias historias hasta que llega a sus manos la que será su primer gran éxito Manon Lescaut, estrenada el 1º de febrero de 1893, tres años antes del estreno de La Bohéme, dejando atrás con esta ópera sus problemas económicos.
Scénes de la vie de bohéme y la Bohéme
Henri Mûrger fue el creador de la novela en la que basó su ópera Giacomo
Puccini. Publicada en 1848, la Scènes de la vie de bohéme, era un relato por entregas, que trataba el tema de varios personajes y de su vida en el barrio latino. Esta novela luego fue convertida en una obra teatral en cinco actos. Mûrger debido al éxito que tuvo en París, introdujo historias que poca relación guardaba unas con otras, era un relato si se puede decir desordenado, humorístico, poco estilizado, pero que tenía como trasfondo la presencia realista de cada uno de los personajes, pues fueron habitantes de este barrio y de este mundo.Puccini junto a sus libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, no modificaron los personajes, por el contrario organizaron la vida de cada uno de ellos hilándola y relacionándola entre sí. Pero lo mismo no sucedió con la historia, en la ópera se unifican personajes, se reducen sucesos y se obvian situaciones, quedando prácticamente un libreto innovador. A diferencia de éste, existe otro compositor quien realizó su propia bohéme estrenada un año después. Leoncavallo mantuvo la novela similar a como la había realizado Mûrger, no suprimió personajes, simplemente la hiló, pero esta ópera tuvo poco éxito a pesar de tener gran apoyo en su primera presentación.
Retomando a Mûrger y a sus personajes que se desarrollan en el mundo artístico de la época del Rey Luis Felipe de Orleáns, el primero que destaca es Rodolphe, el poeta, quien trata de hacer una representación de él mismo en su vida de bohemio. Alexandre Scaunrd, el músico, era realmente Alexandre Schann, pintor y compositor hijo de un fabricante de juguetes, quien al dejar su vida de bohemio tomó las riendas de la fábrica que su padre le dejara. Marcel, el pintor, era la unificación de la vida de dos pintores de la época, uno de ellos François Germain Lèopold Tabar, quien realizó un cuadro que iba a titular “El paso del Mar Rojo” (como se describe en la ópera), pero que finalmente lo llamó “Niobe y sus hijos asaetados por Apolo y Diana”. En los personajes femeninos igualmente existieron referencias reales como la de Mucette quien murió en un accidente marítimo y Mimì, que murió tísica.
Reales o no los personajes que escogió Puccini se mantienen, Rodolfo, Marcelo, Schaunard, Colline, Mimì y Musetta, entre ellos viven historias que en la novela le corresponden a otros personajes pero como se había dicho, fueron reelaborados. Tal es el caso de Francine quien en la novela de Mûrger fallece de una forma similar a como Puccini crea la muerte de Mimì.
La Bohéme en Venezuela y en el Teatro Teresa Carreño
La primera representación que hubo de la Bohéme en nuestro país fue en el Teatro Municipal de Caracas, antiguamente Teatro Guzmán Blanco, el 14 de marzo de 1901. Esta fue la primera ópera de Puccini presentada en Venezuela, repitiendo aproximadamente veintisiete veces desde su estreno, en distintas temporadas de óperas. Una de estas funciones fue realizada por el tenor Luciano Pavarotti junto a la soprano Ileana Sinnone, quienes interpretaron el papel de Rodolfo y Mimì respectivamente, bajo la dirección de Michelángelo Veltri, en la temporada del año 1974.
Esta ópera ha tenido mucha acogida en Venezuela. En el Teatro Teresa Carreño a los pocos años de su inauguración en 1983, ya se estaba representando por primera vez la Bohéme, interpretada en esta ocasión por la venezolana Inés Salazar, la llamada “Callas venezolana” y uno de los tenores de la ópera de Budapest Peter Kelen, acompañados por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, dirigidos por Carlos Riazuelo.
Tres más fueron las oportunidades en las que la ópera fue puesta en escena en este teatro. La última en 1996 al cumplirse el centenario del estreno de La Bohéme en Turín. La representación de este año fue realizada exclusivamente por cantantes venezolanos que se empaparon de Puccini, el barrio latino y la vida bohemia para una interpretación magistral, conjuntamente con la Orquesta Sinfónica Venezuela y su director Rodolfo Saglimbeni.
© Centro Documental
Fabiana Sans Arcílagos
Centro Documental
Centro Documental
Texto publicado en el programa de mano "La Boheme" Agosto-2007
lunes, 21 de mayo de 2007
La Bayadera: de Kalidasa a Petipa
El 4 de febrero de 1877 se estrenó en el Teatro Marynski de San Petesburgo uno de los ballets más resaltantes del siglo XIX: La Bayadera. Esta desarrollada en la india, nos lleva a una historia de amor entre un guerrero y una bayadera, quien es una doncella consagrada y participa con bailes y cantos en ceremonias religiosas. Bayadera proviene de la palabra Devadasi o Servidora de Dios.
En la primera mitad del siglo XIX, el poeta francés Théophile Gautier queda prendado por los encantos de una bayadera que formaba parte de una agrupación que realizaba una gira por Europa. Su nombre era Amani. Inspirado en su belleza, el poeta escribió el ballet Sacontalá, estrenado en 1858 y escenificada por Lucien Petipa, hermano de quien posteriormente se inspirara en este ballet, para realizar La Bayadera. Marius Petipa al igual que Gautier se inspiró en dos poemas en sánscrito de Kalidasa.
El Sánscrito puede denominarse como el idioma más antiguo del que se tiene registro. Tiene aproximadamente 1597 años de existencia. Este idioma se mantiene en la India, y es utilizado por pandits (sabios) y brahmanes (sacerdotes). Kalidasa, fue el poeta de la corte real (ashtana kavi) y el más importante poeta hindú, se dice que fue un Brahman por la forma como están escritos sus poemas.
Sakuntala y La carrera de arcilla fueron los poemas de Kalidasa que
inspiraron a Marius Petipa y a Sergei Kuschelok a escribir el libreto para su ballet, el encargado de la música fue Ludwig Minkus. Este fue representado por primera vez por Ekaterina Vazem (Nikia), Maria Gorshenkova como Gamzatti y en el papel de Solor, Lev Ivanov, quien años más tarde fue asistente de Maruis Petipa y coreógrafo de El cascanueces y El lago de los cisnes (II y IV acto). El ballet ha pasado por ciertas modificaciones, por ejemplo: inicialmente tenía cuatro actos con cinco escenas, reduciéndolo en 1919 a tres actos y tres escenas (en el primer acto). Algunas compañías de ballet, la reducen a dos actos y tres escenas, pero sin modificar la esencia de la obra.
Solor un joven guerrero quien al regresar de la cacería del tigre manda a llamar a Nikia, bayadera del templo. El gran Brahman está enamorado de ella, pero la joven lo rechaza y le jura venganza. Por otro lado, el Rajah de la provincia, le ofrece la mano de su hija Gamzatti a Solor, por su valentía. Este acepta a pesar de su juramento de amor a Nikia. En la celebración del casamiento de Solor y Gamzatti, esta ha colocado una serpiente en una cesta que le entregan a Nikia (que está bailando) y la bayadera muere. Abatido por el sufrimiento, Solor entra en el Reino de las Sombras en el que se encuentra Nikia, quien le realiza su último baile.
El Reino de las Sombras es considerada como una de las mejores coreografías del mundo, en la que varias bailarinas (representando espectros de bayaderas) entran por una rampa danzando. Este acto ha sido el más representado por las compañías de ballet, a parte del ballet completo. Algunas compañías que han representado este ballet han sido el Ballet Estable del Teatro Colón, la Compañía Nacional de Danza de México, el Russian State Ballet of Liberia, el Ballet Municipal, el Ballet Nacional de Cuba, entre otros. Se destacan además Nadezhda Gracheva, Ana Pavlova en el papel de Nikia en 1902, y a Rudolf Nureyev con el Real Ballet de Londres, quien se destacó por unas variaciones que realizó en el papel de Solor.
En la primera mitad del siglo XIX, el poeta francés Théophile Gautier queda prendado por los encantos de una bayadera que formaba parte de una agrupación que realizaba una gira por Europa. Su nombre era Amani. Inspirado en su belleza, el poeta escribió el ballet Sacontalá, estrenado en 1858 y escenificada por Lucien Petipa, hermano de quien posteriormente se inspirara en este ballet, para realizar La Bayadera. Marius Petipa al igual que Gautier se inspiró en dos poemas en sánscrito de Kalidasa.
El Sánscrito puede denominarse como el idioma más antiguo del que se tiene registro. Tiene aproximadamente 1597 años de existencia. Este idioma se mantiene en la India, y es utilizado por pandits (sabios) y brahmanes (sacerdotes). Kalidasa, fue el poeta de la corte real (ashtana kavi) y el más importante poeta hindú, se dice que fue un Brahman por la forma como están escritos sus poemas.
Sakuntala y La carrera de arcilla fueron los poemas de Kalidasa que
inspiraron a Marius Petipa y a Sergei Kuschelok a escribir el libreto para su ballet, el encargado de la música fue Ludwig Minkus. Este fue representado por primera vez por Ekaterina Vazem (Nikia), Maria Gorshenkova como Gamzatti y en el papel de Solor, Lev Ivanov, quien años más tarde fue asistente de Maruis Petipa y coreógrafo de El cascanueces y El lago de los cisnes (II y IV acto). El ballet ha pasado por ciertas modificaciones, por ejemplo: inicialmente tenía cuatro actos con cinco escenas, reduciéndolo en 1919 a tres actos y tres escenas (en el primer acto). Algunas compañías de ballet, la reducen a dos actos y tres escenas, pero sin modificar la esencia de la obra.Solor un joven guerrero quien al regresar de la cacería del tigre manda a llamar a Nikia, bayadera del templo. El gran Brahman está enamorado de ella, pero la joven lo rechaza y le jura venganza. Por otro lado, el Rajah de la provincia, le ofrece la mano de su hija Gamzatti a Solor, por su valentía. Este acepta a pesar de su juramento de amor a Nikia. En la celebración del casamiento de Solor y Gamzatti, esta ha colocado una serpiente en una cesta que le entregan a Nikia (que está bailando) y la bayadera muere. Abatido por el sufrimiento, Solor entra en el Reino de las Sombras en el que se encuentra Nikia, quien le realiza su último baile.
El Reino de las Sombras es considerada como una de las mejores coreografías del mundo, en la que varias bailarinas (representando espectros de bayaderas) entran por una rampa danzando. Este acto ha sido el más representado por las compañías de ballet, a parte del ballet completo. Algunas compañías que han representado este ballet han sido el Ballet Estable del Teatro Colón, la Compañía Nacional de Danza de México, el Russian State Ballet of Liberia, el Ballet Municipal, el Ballet Nacional de Cuba, entre otros. Se destacan además Nadezhda Gracheva, Ana Pavlova en el papel de Nikia en 1902, y a Rudolf Nureyev con el Real Ballet de Londres, quien se destacó por unas variaciones que realizó en el papel de Solor.
© Centro Documental
Fabiana Sans Arcílagos
Investigadora
Centro Documental
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Texto publicado en el programa de mano “La Bayadera" Mayo 2007
miércoles, 6 de diciembre de 2006
La viuda alegre, cien años después
El 28 de diciembre de 1905 fue estrenada en Viena La viuda alegre, entre aplausos y críticas; ha sido una de las operetas más exitosas realizadas en el siglo XX. Su historia nos involucra con lo que es nuestra vida cotidiana. El amor, el dinero y la sociedad son los personajes principales de esta jocosa historia.
La opereta se desarrolla en París; el París de la belle epoque. Este período se caracteriza por la aparición de diversas corrientes pictóricas que influenciaron en el teatro, la música y la danza, además de la naciente organización social en sindicatos o en partidos políticos, creándose así los primeros partidos socialistas.
Esta bella época como fue denominada luego de la primera guerra mundial haciendo referencia al período de 1890 a 1914, tiene en su haber el nacimiento de uno de los restaurantes de mayor renombre internacional, este es el Chez Maxim’s.
Su fama nace a raíz de la exposición universal de 1900. Este restaurante es lo que hoy denominamos cabaret, en el que se presentaban espectáculos que combinan comedia, música y danza (algunas atrevidas), mientras disfrutan de exquisitos platos; se reunían aristócratas, extranjeros, mujeres galantes y famosos. El Maxim’s (como es denominado comúnmente) se ha tomado como referencia en la literatura y en la música, como es el caso del conde Danilo en La viuda alegre.
La viuda alegre es una opereta compuesta por Franz Lehár, basado en una comedia de Henri Meilhac. La opereta es un tipo de teatro musical que nace con la devastación de los teatros parisinos y el alejamiento de la ópera, al caer el segundo imperio francés. La opereta es un género que combina pasajes hablados con fragmentos cantados, se caracteriza por tener una trama un poco disparatada y llena de sátira. Se propagó con gran auge por Viena y París, siendo sus principales representantes Johann Strauss, en Viena con el vals y Jacques Offenbach en París con el cancán. Igualmente se expandió el género por el Reino Unido y Estados Unidos transformándose en comedia musical. Así mismo en España, la Zarzuela costumbrista nacida en el siglo XVII y que desarrolla temas netamente locales, fue influenciada por la opereta y se creó la comedia ligera, pero se mantuvo por muy poco tiempo.
Johann Strauss fue uno de los creadores de la llamada música ligera. A Strauss (hijo) se le atribuye la propagación del vals y de la opereta vienesa. El vals se origina en Lândler (Johann Strauss padre), siendo una danza austro alemana de tres por cuatro, en la que se reunían parejas de bailes (cuadrilla) y realizaban una rueda alrededor del salón, haciendo pasos similares al son de la música. Tuvo auge en toda la ciudad y rápidamente se propagó a París. Luego de la muerte del padre, Johann (hijo) empezó a componer operetas, llegando a realizar diecisiete en este género. Realizaba sus composiciones de forma despreocupada y en ellas se sentía el amor y la vida de Viena. Muere el 4 de junio de 1899. Este género es un poco más serio y sentimental que la opereta parisina.
En cambio la opereta de Jacques Offenbach era más sátira social. El desarrolló el cancán (baile a dos por cuatro) y la opereta parisina. El Cancán es una variación de la cuadrilla. Era un baile un poco más extravagante y podía llegar a la vulgaridad, por sus elevados movimientos de piernas y en ciertas ocasiones la exhibición de la ropa interior de las bailarinas. Offenbach tuvo mucho éxito en París.
Nació en Colonia, Alemania el 20 de junio de 1819, siendo un ciudadano de los bulevares de París. Parodiaba la política y el segundo imperio de Napoleón III. Creó el Bouffes-Parisiens para poder representar sus obras. Para 1875 ya tenía en su haber noventa operetas, siendo una de las más famosas Orfeo, con la representación del cancán. Muere el 5 de Octubre de 1880, sin poder ver el estreno de su ópera Los cuentos de Hoffmann. Este compositor fue seguido por jóvenes como Sullivan y Franz Lehár; él creó un estilo nuevo, en el que su frivolidad se refleja con ingenio.
Franz Leház mantiene ese ingenio adquirido por uno de los grandes representantes de la época (siglo XIX). Inicia sus estudios gracias a Antonin Dvorák, en el conservatorio de Praga a los doce años, allí estudió violín. Dirigió bandas militares al igual que su padre, luego fue director del Teatro de Viena. Su obra más representativa es La viuda alegre. Luego de esta opereta incorporó en sus obras estilos como blues y el tango, pero no tuvo el éxito esperado. Algunas de sus obras fueron llevadas al cine, de esta forma la Viuda Alegre ha sido versionada dos veces para la gran pantalla en 1934 por Ernst Libitsch y en 1952 por Curtis Bernhardt, siendo nominada a dos premios de la academia (Oscar). Lehár muere en 1948 y actualmente su casa es el Museo Lehár. Sus obras reflejan su propia orquestación y la maestría en solos de violín, que ayudan al romanticismo en los valses en las escenas de amor.
La viuda alegre consta de tres actos. La obra se sitúa en París. Hanna Glawari, hereda veinte millones de francos tras la muerte de su esposo. El barón Mirko Zeta está preocupado pues si Hanna decide irse de reino, traería la ruina del mismo. Es así como Zeta envía a su ayudante a buscar al conde Danilo que se encuentra en el Maxim’s. Tras varias ocurrencias Hanna y Danilo (que siempre estuvieron enamorados) se reencuentran, pero éste no cede a casarse con Hanna por su fortuna y ella espera a que él le declare su amor. Es así como se realiza una fiesta al mejor estilo Maxim’s en el jardín de la viuda y los enredos de la obra culminan en un final feliz.
Entre los pasajes más conocidos de la opereta se encuentran la balada de “Vilja”, una ninfa que se enamoró de un mortal y el “Vals de la viuda alegre”. Se representa en la obra a las bailarinas de cancán, el estilo burgués de la belle epoque, el gran Maxim’s y la sátira de Offenbach, todo reunido por el mismo compositor, Franz Lehár.
En Venezuela esta opereta se ha representado tan solo una vez, en el Teatro Municipal, representada por la Compañía Italiana de Operetas. Como dato curioso ésta opereta, era una de la favoritas de Hitler y se llegó a representar en los primeros cinco años de estrenada, dieciocho mil veces.
En el año 2006 el Teatro Teresa Carreño se llena de orgullo al presentar tras cien años del estreno de La viuda alegre, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Venezuela y grandes figuras de la ópera en Venezuela.
© Centro Documental
La opereta se desarrolla en París; el París de la belle epoque. Este período se caracteriza por la aparición de diversas corrientes pictóricas que influenciaron en el teatro, la música y la danza, además de la naciente organización social en sindicatos o en partidos políticos, creándose así los primeros partidos socialistas.
Esta bella época como fue denominada luego de la primera guerra mundial haciendo referencia al período de 1890 a 1914, tiene en su haber el nacimiento de uno de los restaurantes de mayor renombre internacional, este es el Chez Maxim’s.
Su fama nace a raíz de la exposición universal de 1900. Este restaurante es lo que hoy denominamos cabaret, en el que se presentaban espectáculos que combinan comedia, música y danza (algunas atrevidas), mientras disfrutan de exquisitos platos; se reunían aristócratas, extranjeros, mujeres galantes y famosos. El Maxim’s (como es denominado comúnmente) se ha tomado como referencia en la literatura y en la música, como es el caso del conde Danilo en La viuda alegre.
La viuda alegre es una opereta compuesta por Franz Lehár, basado en una comedia de Henri Meilhac. La opereta es un tipo de teatro musical que nace con la devastación de los teatros parisinos y el alejamiento de la ópera, al caer el segundo imperio francés. La opereta es un género que combina pasajes hablados con fragmentos cantados, se caracteriza por tener una trama un poco disparatada y llena de sátira. Se propagó con gran auge por Viena y París, siendo sus principales representantes Johann Strauss, en Viena con el vals y Jacques Offenbach en París con el cancán. Igualmente se expandió el género por el Reino Unido y Estados Unidos transformándose en comedia musical. Así mismo en España, la Zarzuela costumbrista nacida en el siglo XVII y que desarrolla temas netamente locales, fue influenciada por la opereta y se creó la comedia ligera, pero se mantuvo por muy poco tiempo.
Johann Strauss fue uno de los creadores de la llamada música ligera. A Strauss (hijo) se le atribuye la propagación del vals y de la opereta vienesa. El vals se origina en Lândler (Johann Strauss padre), siendo una danza austro alemana de tres por cuatro, en la que se reunían parejas de bailes (cuadrilla) y realizaban una rueda alrededor del salón, haciendo pasos similares al son de la música. Tuvo auge en toda la ciudad y rápidamente se propagó a París. Luego de la muerte del padre, Johann (hijo) empezó a componer operetas, llegando a realizar diecisiete en este género. Realizaba sus composiciones de forma despreocupada y en ellas se sentía el amor y la vida de Viena. Muere el 4 de junio de 1899. Este género es un poco más serio y sentimental que la opereta parisina.
En cambio la opereta de Jacques Offenbach era más sátira social. El desarrolló el cancán (baile a dos por cuatro) y la opereta parisina. El Cancán es una variación de la cuadrilla. Era un baile un poco más extravagante y podía llegar a la vulgaridad, por sus elevados movimientos de piernas y en ciertas ocasiones la exhibición de la ropa interior de las bailarinas. Offenbach tuvo mucho éxito en París.
Nació en Colonia, Alemania el 20 de junio de 1819, siendo un ciudadano de los bulevares de París. Parodiaba la política y el segundo imperio de Napoleón III. Creó el Bouffes-Parisiens para poder representar sus obras. Para 1875 ya tenía en su haber noventa operetas, siendo una de las más famosas Orfeo, con la representación del cancán. Muere el 5 de Octubre de 1880, sin poder ver el estreno de su ópera Los cuentos de Hoffmann. Este compositor fue seguido por jóvenes como Sullivan y Franz Lehár; él creó un estilo nuevo, en el que su frivolidad se refleja con ingenio.
Franz Leház mantiene ese ingenio adquirido por uno de los grandes representantes de la época (siglo XIX). Inicia sus estudios gracias a Antonin Dvorák, en el conservatorio de Praga a los doce años, allí estudió violín. Dirigió bandas militares al igual que su padre, luego fue director del Teatro de Viena. Su obra más representativa es La viuda alegre. Luego de esta opereta incorporó en sus obras estilos como blues y el tango, pero no tuvo el éxito esperado. Algunas de sus obras fueron llevadas al cine, de esta forma la Viuda Alegre ha sido versionada dos veces para la gran pantalla en 1934 por Ernst Libitsch y en 1952 por Curtis Bernhardt, siendo nominada a dos premios de la academia (Oscar). Lehár muere en 1948 y actualmente su casa es el Museo Lehár. Sus obras reflejan su propia orquestación y la maestría en solos de violín, que ayudan al romanticismo en los valses en las escenas de amor.
La viuda alegre consta de tres actos. La obra se sitúa en París. Hanna Glawari, hereda veinte millones de francos tras la muerte de su esposo. El barón Mirko Zeta está preocupado pues si Hanna decide irse de reino, traería la ruina del mismo. Es así como Zeta envía a su ayudante a buscar al conde Danilo que se encuentra en el Maxim’s. Tras varias ocurrencias Hanna y Danilo (que siempre estuvieron enamorados) se reencuentran, pero éste no cede a casarse con Hanna por su fortuna y ella espera a que él le declare su amor. Es así como se realiza una fiesta al mejor estilo Maxim’s en el jardín de la viuda y los enredos de la obra culminan en un final feliz.
Entre los pasajes más conocidos de la opereta se encuentran la balada de “Vilja”, una ninfa que se enamoró de un mortal y el “Vals de la viuda alegre”. Se representa en la obra a las bailarinas de cancán, el estilo burgués de la belle epoque, el gran Maxim’s y la sátira de Offenbach, todo reunido por el mismo compositor, Franz Lehár.
En Venezuela esta opereta se ha representado tan solo una vez, en el Teatro Municipal, representada por la Compañía Italiana de Operetas. Como dato curioso ésta opereta, era una de la favoritas de Hitler y se llegó a representar en los primeros cinco años de estrenada, dieciocho mil veces.
En el año 2006 el Teatro Teresa Carreño se llena de orgullo al presentar tras cien años del estreno de La viuda alegre, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Venezuela y grandes figuras de la ópera en Venezuela.
© Centro Documental
Fabiana Sans Arcílagos
Investigadora
Texto preparado para “La Viuda Alegre” Diciembre 2006
Investigadora
Texto preparado para “La Viuda Alegre” Diciembre 2006
El amor y El lago de los cisnes
¿Por qué El lago de los cisnes es el ballet más representado en el mundo? Sin ser dueños de la verdad nos atrevemos a decir que es porque esta pieza gira en torno a uno de los temas fundamentales en las preocupaciones cotidianas del hombre: el amor, ese sentimiento por el cual se mueven mundos. El joven príncipe Sifrido al cumplir su mayoría de edad debe elegir entre las nobles de la comarca a su futura esposa, para anunciarla la noche su cumpleaños. Angustiado por esta situación se dirige a cazar con sus amigos al bosque. Una vez en el lago ven una manada de cisnes blancos. Se disponen a dispararle, cuando Sigfrido fascinado por la belleza del cisne que comanda la manada, se retrae. Se asombra al descubrir que es Odette, una bella princesa transformada en cisnes por el maléfico embrujo de Von Rothbart, un mago, padre de Odile (cisne negro), a quien aspira casar con Sigfrido. Este último se enamora de Odette y le jura amor eterno. De cumplirse la promesa Odette quedaría desencantada. Ella durante el día se convierte en cisne y por breves momentos en la noche es una mujer que espera ansiosa su primer beso de amor para liberarse del hechizo. Esto no lo podía permitir Von Rothbart, quien se va a la fiesta de Sigfrido haciéndole creer que Odile es Odette. El cumpleañero le jura amor a Odile, dejando a Odette en manos de Rothbart. Un amor imposible parece ser el destino de los antiguos amantes. No obstante Sigfrido despierta y rompe el hechizo para luchar por el verdadero amor, por la verdadera reina de los cisnes. Junto a Odette enfrentan los poderes de Von Rothbart, logrando que al final triunfe el amor.
Esta es la historia esencial de este ballet, la cual repite la misma simbología sobre el tema desde la antigüedad griega. Desde entonces se conocen relatos de jóvenes transformados en cisnes. Ovidio, por ejemplo, lo reflejó en su Metamorfosis. Lo mismo ocurre con muchas leyendas escandinavas, gracias a las cuales esta historia se extendió por todo el norte de Europa.
El ballet se estrenó el 4 de marzo de 1877 en el Teatro Bolshoi de Moscú, sin mayores éxitos, ya que fue presentada con apresuramiento, utilizándose sólo una parte de la partitura de Tchaikovsky. Se reemplazó su música por considerarla entonces inadecuada para la danza. El ballet alcanzó escasas presentaciones. El compositor pensó hacer una revisión, pero murió en 1893 sin poder realizarla.
A pesar del poco éxito alcanzado en su estreno tuvo dos presentaciones más en el Bolshoi. La primera se realizó en 1880 con una coreografía de Olaf Hansen. La segunda se hizo en 1882, igualmente con coreografía de Hansen, y con Lydia Geiten en el papel central. Tras algunas funciones sólo los archivos del teatro sabían de esta pieza.
Es cuando Marius Petipa (1818-1910), director de coreografía del Ballet Imperial Ruso y quien luego sería considerado como el que perfeccionó el ballet dándole un argumento largo, entonces reconocido por su éxito en el montaje de La bella durmiente, también de Tchaikovsky, presentó su versión de El lago de los cisnes en 1895. En esta oportunidad Petipa contó con la asistencia de Lev Ivanov y la participación de la afamada “ballerina” italiana Pierina Legnani en el personaje principal.
Años más tarde, Alexander Gorsky (1870-1924), primera figura del ballet ruso, maestro de baile, director de escena y alumno de Petipa, repuso la pieza en la nueva versión de Petipa-Ivanov. Desde entonces nuevas versiones o revisiones se han realizado. En 1910 se presentaron en Londres dos actos donde Olga Diaghilev y Ludmilla Schollar fueron las estrellas principales. Un año más tarde le correspondió a Serge Diaghilev dar a conocer su adaptación en dos actos y tres cuadros, según la versión de Petipa-Ivanov. En 1920 Stanislaki y Nemirovith-danchenko, directores del Teatro de Arte de Moscú, con la colaboración de Gorsky restauraron el ballet. En esta oportunidad el doble personaje Odette-Odile fue encomendado a dos bailarinas distintas y se le agregó el personaje del bufón. Las versiones prosiguieron y en 1953 Vladimir Bourmeister realizó una revisión de la obra basándose en la partitura original. Después el Coronel Basil intentó reducir la obra a un solo acto pero no tuvo el éxito esperado. Otro estilo le dieron también los “ballet soviéticos”, que cambiaron el escenario de la acción por 1830 en vez de la Edad Media. La obra se dividió entonces en tres actos y cuatro cuadros.
La crítica de danza Thamara Hannot considera que existen tres elementos de juicio para analizar en la pieza. Esos elementos son: estilo, técnica y carácter. Según ella, el énfasis de cada uno de ellos varía de un acto a otro. En el segundo acto existe un predominio de estilo y carácter, por sobre la técnicas. En el tercer acto predominan las necesidades de técnica y se debe tomar en cuenta las variaciones masculinas y femeninas.
Por su parte, el crítico musical Harold C. Schönberg en la obra Los grandes compositores, destaca varios elementos que nos permiten entender la importancia de la obra en la historia general de este arte. El citado autor argumenta que “El ballet está implícito en un número elevado de las partituras de Tchaikovsky, a pesar de que el compositor creó tan sólo tres ballets propiamente dichos. Hasta Tchaikovsky, gran parte de la música de ballet había sido mera búsqueda de efectos sonoros.” Prosigue Schönberg diciendo que “Léo Delibes abrió nuevos caminos y demostró lo que un compositor realmente diestro podía lograr. Tchaikovsky admiraba la música de Delibes, y algunos pasajes de El lago de los cisnes la deuda es evidente. Los tres ballet de Tchaikosky están cerca de la ópera, salvo el hecho de que las partes correspondientes a la “voz” están consagradas a los bailarines y no a los cantantes.”
Es digno de destacar el contexto en que Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893) escribe este ballet, convertido hoy en un clásico en su género. En esa época, el compositor ruso también creó Francesca da Ramini, su ópera Eugen Onegin y su Cuarta sinfonía. Esta última estaba dedicada a una admiradora secreta que lo sostenía con una pensión, gracias a la cual se dedicaba exclusivamente a la composición, luego de la crisis nerviosa que sufrió por su separación, a las pocas semanas de casado. A pesar de sus estudios de piano de la infancia, Tchaikovsky se había iniciado tardíamente en el mundo de la música de manera formal. Sus estudios los comenzó a los veintiún años con Arthur Rubinstein, los cuales culminó con un premio, reconocimiento que le permitió convertirse en profesor de armonía del Conservatorio de Música. Para el momento del estreno de El lago de los cisnes ya había conseguido cierto reconocimiento. Se opuso al nacionalismo musical y al estilo que representan el grupo de los cincos, Borodin, Mussorgski, Rimski-Korsakov, Cui y Balakirev. Como sabemos, el romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, que consideraba que la verdad podría ser captada mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras conservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico.
Tchaikovsky consiguió su máximo esplendor cuando comenzó a dirigir sus propias obras, lo que le permitió realizar giras por Europa y Estados Unidos. Hoy es reconocido y admirado en todo el mundo, como lo prueban la popularidad de sus principales composiciones. Entre sus últimas obras cuentan los ballets La bella durmiente, El cascanueces, su ópera La dama de Picas y sus sinfonías Quinta y Sexta (Patética).
El lago de los cisnes se estrenó en Venezuela por primera vez en 1945, gracias a la versión en un sólo acto ofrecida por el ballet del Coronel Basil en el Teatro Municipal. Desde entonces, bien sea en versiones completas, Pas de Deux, o algunos de sus actos, El lago ha estado presente en la historia del ballet en el país. De esa época inicial se conocen los montajes del Ballet de la Nena Coronil, el Ballet Nacional de Venezuela, el de Alicia Alonso e Ygor Youskevitch, el del Ballet Clásico de Lenningrado, Gran Ballet Clásico de Francia y Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires, entre otros. Años más tarde se registran numerosos montajes del Ballet Teresa Carreño en versiones completas o fragmentos.
© Centro Documental
Esta es la historia esencial de este ballet, la cual repite la misma simbología sobre el tema desde la antigüedad griega. Desde entonces se conocen relatos de jóvenes transformados en cisnes. Ovidio, por ejemplo, lo reflejó en su Metamorfosis. Lo mismo ocurre con muchas leyendas escandinavas, gracias a las cuales esta historia se extendió por todo el norte de Europa.
El ballet se estrenó el 4 de marzo de 1877 en el Teatro Bolshoi de Moscú, sin mayores éxitos, ya que fue presentada con apresuramiento, utilizándose sólo una parte de la partitura de Tchaikovsky. Se reemplazó su música por considerarla entonces inadecuada para la danza. El ballet alcanzó escasas presentaciones. El compositor pensó hacer una revisión, pero murió en 1893 sin poder realizarla.
A pesar del poco éxito alcanzado en su estreno tuvo dos presentaciones más en el Bolshoi. La primera se realizó en 1880 con una coreografía de Olaf Hansen. La segunda se hizo en 1882, igualmente con coreografía de Hansen, y con Lydia Geiten en el papel central. Tras algunas funciones sólo los archivos del teatro sabían de esta pieza.
Es cuando Marius Petipa (1818-1910), director de coreografía del Ballet Imperial Ruso y quien luego sería considerado como el que perfeccionó el ballet dándole un argumento largo, entonces reconocido por su éxito en el montaje de La bella durmiente, también de Tchaikovsky, presentó su versión de El lago de los cisnes en 1895. En esta oportunidad Petipa contó con la asistencia de Lev Ivanov y la participación de la afamada “ballerina” italiana Pierina Legnani en el personaje principal.
Años más tarde, Alexander Gorsky (1870-1924), primera figura del ballet ruso, maestro de baile, director de escena y alumno de Petipa, repuso la pieza en la nueva versión de Petipa-Ivanov. Desde entonces nuevas versiones o revisiones se han realizado. En 1910 se presentaron en Londres dos actos donde Olga Diaghilev y Ludmilla Schollar fueron las estrellas principales. Un año más tarde le correspondió a Serge Diaghilev dar a conocer su adaptación en dos actos y tres cuadros, según la versión de Petipa-Ivanov. En 1920 Stanislaki y Nemirovith-danchenko, directores del Teatro de Arte de Moscú, con la colaboración de Gorsky restauraron el ballet. En esta oportunidad el doble personaje Odette-Odile fue encomendado a dos bailarinas distintas y se le agregó el personaje del bufón. Las versiones prosiguieron y en 1953 Vladimir Bourmeister realizó una revisión de la obra basándose en la partitura original. Después el Coronel Basil intentó reducir la obra a un solo acto pero no tuvo el éxito esperado. Otro estilo le dieron también los “ballet soviéticos”, que cambiaron el escenario de la acción por 1830 en vez de la Edad Media. La obra se dividió entonces en tres actos y cuatro cuadros.
La crítica de danza Thamara Hannot considera que existen tres elementos de juicio para analizar en la pieza. Esos elementos son: estilo, técnica y carácter. Según ella, el énfasis de cada uno de ellos varía de un acto a otro. En el segundo acto existe un predominio de estilo y carácter, por sobre la técnicas. En el tercer acto predominan las necesidades de técnica y se debe tomar en cuenta las variaciones masculinas y femeninas.
Por su parte, el crítico musical Harold C. Schönberg en la obra Los grandes compositores, destaca varios elementos que nos permiten entender la importancia de la obra en la historia general de este arte. El citado autor argumenta que “El ballet está implícito en un número elevado de las partituras de Tchaikovsky, a pesar de que el compositor creó tan sólo tres ballets propiamente dichos. Hasta Tchaikovsky, gran parte de la música de ballet había sido mera búsqueda de efectos sonoros.” Prosigue Schönberg diciendo que “Léo Delibes abrió nuevos caminos y demostró lo que un compositor realmente diestro podía lograr. Tchaikovsky admiraba la música de Delibes, y algunos pasajes de El lago de los cisnes la deuda es evidente. Los tres ballet de Tchaikosky están cerca de la ópera, salvo el hecho de que las partes correspondientes a la “voz” están consagradas a los bailarines y no a los cantantes.”
Es digno de destacar el contexto en que Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893) escribe este ballet, convertido hoy en un clásico en su género. En esa época, el compositor ruso también creó Francesca da Ramini, su ópera Eugen Onegin y su Cuarta sinfonía. Esta última estaba dedicada a una admiradora secreta que lo sostenía con una pensión, gracias a la cual se dedicaba exclusivamente a la composición, luego de la crisis nerviosa que sufrió por su separación, a las pocas semanas de casado. A pesar de sus estudios de piano de la infancia, Tchaikovsky se había iniciado tardíamente en el mundo de la música de manera formal. Sus estudios los comenzó a los veintiún años con Arthur Rubinstein, los cuales culminó con un premio, reconocimiento que le permitió convertirse en profesor de armonía del Conservatorio de Música. Para el momento del estreno de El lago de los cisnes ya había conseguido cierto reconocimiento. Se opuso al nacionalismo musical y al estilo que representan el grupo de los cincos, Borodin, Mussorgski, Rimski-Korsakov, Cui y Balakirev. Como sabemos, el romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, que consideraba que la verdad podría ser captada mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras conservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico.
Tchaikovsky consiguió su máximo esplendor cuando comenzó a dirigir sus propias obras, lo que le permitió realizar giras por Europa y Estados Unidos. Hoy es reconocido y admirado en todo el mundo, como lo prueban la popularidad de sus principales composiciones. Entre sus últimas obras cuentan los ballets La bella durmiente, El cascanueces, su ópera La dama de Picas y sus sinfonías Quinta y Sexta (Patética).
El lago de los cisnes se estrenó en Venezuela por primera vez en 1945, gracias a la versión en un sólo acto ofrecida por el ballet del Coronel Basil en el Teatro Municipal. Desde entonces, bien sea en versiones completas, Pas de Deux, o algunos de sus actos, El lago ha estado presente en la historia del ballet en el país. De esa época inicial se conocen los montajes del Ballet de la Nena Coronil, el Ballet Nacional de Venezuela, el de Alicia Alonso e Ygor Youskevitch, el del Ballet Clásico de Lenningrado, Gran Ballet Clásico de Francia y Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires, entre otros. Años más tarde se registran numerosos montajes del Ballet Teresa Carreño en versiones completas o fragmentos.
© Centro Documental
Jesús Eloy Gutiérrez
Jefe Unidad Centro Documental
Texto preparado para “El Lago de los Cisnes”Agosto 2006
Jefe Unidad Centro Documental
Texto preparado para “El Lago de los Cisnes”Agosto 2006
De Colón y sus martirios
“Tengo una gran carabela,
no es una barca de vela:
está bien calafateada
y la lleva timoteada
Colón, Colón.
¿Colón, Colón!
Han pasado trece años desde que se presentaron por primera vez Los Martirios de Colón, obra escrita por Aquiles Nazoa y quien poco se debe haber imaginado que sus versos tendrían tanto éxito, cuando Federico Ruiz los toma para hacer de ellos una ópera venezolana. Esta unión hizo que la historia de la llegada de Colón a América tuviese otra visión ante nosotros, un poco más jocosa y menos ambiciosa.
Recordando un poco la vida de Colón, este genovés nace un día entre agosto y octubre, no se sabe a ciencia cierta la fecha en que nació pero fue en el año 1451. Tuvo como vocación (al igual que su hermano Bartolomé) desde joven el oficio de marinero y con ello su interés en la navegación. Cuenta la historia que a los diecinueve años empezó a trabajar en algunas rutas comerciales desde Quíos hasta la península Ibérica, que formó parte de la tropa de Renato de Anjou y participó en varias campañas bélica -de esto poca documentación se tiene-. El navegante se asienta en Lisboa dedicándose al comercio, es allí donde empieza a oír historias sobre tierras más allá del mar.
Se decía que esa ruta era más corta y con menos peligros de piratas y turcos, era una ruta hacia las Indias Orientales. Ya los vikingos en el año 1.000 aproximadamente habían llegado a la costa americana, pero fueron las historias de los marineros del Puerto de Santa María y en Murcia, quienes dejaron en Colón ese interés para realizar su travesía en búsqueda de nuevas tierras.
La muerte de su esposa (1484) lo lleva a irse de Lisboa y residenciarse en un convento en España, que los monjes aceptan sus teorías teniendo un impulso para realizar su proyecto de viaje. Animado, presenta su proyecto a la corte portuguesa que lo rechaza, Bartolomé hace lo mismo pero en Inglaterra e igualmente es rechazado. Finalmente se traslada hasta Palos, en la que fray Juan Pérez prior del Convento la Rabida, le entrega a Colón el diario de ruta del piloto Alonso Sánchez de Huelva, quien se supone realizó un viaje hacia el oriente atlántico.
A Colón pues se le facilita la cita con los Reyes Católicos y luego de la intervención de Luis de Santángel (escribano de la corona de Aragón), le fue aprobado el proyecto. Es así como el 17 de abril de 1492, se da lugar a las Capitulaciones de Santa Fe, en la que además le otorga, entre otras cosas, a Colón la décima parte de las riquezas encontradas, tendrá el cargo de Almirante y de gobernador de todas aquellas tierras descubiertas.
Parten las tres carabelas, Pinta, Niña y Santamaría, el 3 de agosto de 1492. Ya los marineros y el almirante llevan casi dos meses de navegación y las tierras no aparecen, los marineros pierden el control y se sublevan, a Colón y los amenazan con de tirarlo al agua, pero cuando su vida se ve en el mayor peligro, Rodrigo de Triana grita ¡Tierra! un 12 de octubre de 1492. Y ya sabemos el resto de la historia. De estas peripecias y atajos tenemos referencia por libros de navegación, al igual que por algunas cartas escritas a los reyes católicos y por los diarios de Colón.
Se dice que los diarios estuvieron perdidos y que Mamerto Ñañez Pinzón los recuperó, él publicó un diario anónimo y resultó ser de Colón. Referencias no se tienen, pero Aquiles Nazoa basa sus versos en el diario escrito por este personaje.
Es así como llegamos a 1970, fecha en la que el gran Aquiles Nazoa escribe su libro Humor y Amor. En éste aparecen dos textos que más adelante serán todo un éxito en la música venezolana al cobrar vida cuando el compositor venezolano Federico Ruiz les coloca música.
Muchas han sido las representaciones que se han realizado de Colón o de la llegada de los Europeos a América, pero pocas dejan ver las travesías por las que tuvo que pasar este almirante para convencer a los reyes, la corte. En Venezuela existen dos obras humorísticas que tocan el tema de Colón Job Pim y su obra Jabón de Castilla y otra de José Ignacio Cabrújas. Pero ninguna con la relevancia que ha tenido la de Aquiles Nazoa.
Aquiles Nazoa fue uno de los humoristas venezolanos más importantes del país del siglo pasado. Nace el 17 de mayo de 1920 en Caracas y fallece el 25 de abril de 1976 en un accidente de tránsito en la carretera Caracas- Valencia. En su vida escribió un sin fin de versos y varios libros en los que trataba temas políticos, de amor y de todo aquello en que se inspirara, pero su toque personal era el humor colocado en cada uno de sus escritos. Deja ver en ellos a ese criollo que al encontrarse encerrado en sus mismos problemas, se ríe de ellos.
Y ya que tanto se habla de la “conquista” y de la “educación” que nos dieron los españoles que llegaron a nuestra tierras, ¿qué mejor personaje para hacernos reír un poco con sus dificultades en el viaje que el mismo “Descubridor”? Y así es como Nazoa nos presenta en dos textos “Importancia y proyección de la ñema de Colón” y “Los martirios de Colón, fragmento de un diario escrito por el famoso erudito Mamerto Ñañez Pinzón”, a un almirante algo fuera de lo común.
Es sobre estos textos que Ruíz realiza esta ópera venezolana. Para 1983 había terminado el libreto, pero fue en 1993 cuando es presentada. Tuvo gran aceptación en el público asistente, la identificación no solo de la historia, sino con la música, le otorgó un éxito rotundo. Federico Ruíz hizo del almirante genovés un completo venezolano. En la opera, se oye desde cha-cha-chá, pasando por un joropo hasta rondas infantiles. Es una unificación de estilos propios en una historia que nos involucra a todos.
La historia es contada en dos actos por un narrador, es un personaje neutral. En palabras del propio compositor es “una especie de andrógino, un personaje femenino vestido con ropa de hombre”. El otro personaje es la reina, es seria, con varios problemas, pero a pesar de lo majestuosa que es algunas veces se deja llevar por Colón. El tercer personaje es Colón, no se toma nada en serio, es un “mamador de gallo”. Existen otros personajes como los marineros que es representado por un coro. La obra esta llena de momentos jocosos, tiene tan solo un momento de drama y es cuando el almirante se encuentra en peligro, pues lo quieren lanzar al agua, aquí hace presencia un aria al mejor estilo de las óperas italianas:
¡No lo hagáis, pues es grotesco
Que yo, tan noble y honrado,
Tenga por tumba un pescado
Que a lo mejor no es ni fresco!
¡Oh! ¡Que desgracia la mía!
¡Morir como una langosta
Junto a un peñón de la costa
Que bate el mar noche y día!
La ópera pasa por varias etapas de la música, sin estacionarse en ninguna. Inicia con características antifonales, teniendo características al estilo de Verdi, Haendel, Wagner, tiene además características de la ópera buffa y la zarzuela, todo adaptado al mejor estilo venezolano.
Esta es la quinta vez que el Teatro Teresa Carreño presenta esta ópera que sin duda alguna obtendrá el mismo éxito que en las ediciones pasadas. Con una nueva propuesta escenográfica y un cartel de cantantes jóvenes, nos brinda la oportunidad junto a la Orquesta Sinfónica de la Opera, de adentrarnos una vez más en esta divertida forma de ver la historia de Colón y su travesía para llegar a América.
© Centro Documental
no es una barca de vela:
está bien calafateada
y la lleva timoteada
Colón, Colón.
¿Colón, Colón!
Han pasado trece años desde que se presentaron por primera vez Los Martirios de Colón, obra escrita por Aquiles Nazoa y quien poco se debe haber imaginado que sus versos tendrían tanto éxito, cuando Federico Ruiz los toma para hacer de ellos una ópera venezolana. Esta unión hizo que la historia de la llegada de Colón a América tuviese otra visión ante nosotros, un poco más jocosa y menos ambiciosa.
Recordando un poco la vida de Colón, este genovés nace un día entre agosto y octubre, no se sabe a ciencia cierta la fecha en que nació pero fue en el año 1451. Tuvo como vocación (al igual que su hermano Bartolomé) desde joven el oficio de marinero y con ello su interés en la navegación. Cuenta la historia que a los diecinueve años empezó a trabajar en algunas rutas comerciales desde Quíos hasta la península Ibérica, que formó parte de la tropa de Renato de Anjou y participó en varias campañas bélica -de esto poca documentación se tiene-. El navegante se asienta en Lisboa dedicándose al comercio, es allí donde empieza a oír historias sobre tierras más allá del mar.
Se decía que esa ruta era más corta y con menos peligros de piratas y turcos, era una ruta hacia las Indias Orientales. Ya los vikingos en el año 1.000 aproximadamente habían llegado a la costa americana, pero fueron las historias de los marineros del Puerto de Santa María y en Murcia, quienes dejaron en Colón ese interés para realizar su travesía en búsqueda de nuevas tierras.
La muerte de su esposa (1484) lo lleva a irse de Lisboa y residenciarse en un convento en España, que los monjes aceptan sus teorías teniendo un impulso para realizar su proyecto de viaje. Animado, presenta su proyecto a la corte portuguesa que lo rechaza, Bartolomé hace lo mismo pero en Inglaterra e igualmente es rechazado. Finalmente se traslada hasta Palos, en la que fray Juan Pérez prior del Convento la Rabida, le entrega a Colón el diario de ruta del piloto Alonso Sánchez de Huelva, quien se supone realizó un viaje hacia el oriente atlántico.
A Colón pues se le facilita la cita con los Reyes Católicos y luego de la intervención de Luis de Santángel (escribano de la corona de Aragón), le fue aprobado el proyecto. Es así como el 17 de abril de 1492, se da lugar a las Capitulaciones de Santa Fe, en la que además le otorga, entre otras cosas, a Colón la décima parte de las riquezas encontradas, tendrá el cargo de Almirante y de gobernador de todas aquellas tierras descubiertas.
Parten las tres carabelas, Pinta, Niña y Santamaría, el 3 de agosto de 1492. Ya los marineros y el almirante llevan casi dos meses de navegación y las tierras no aparecen, los marineros pierden el control y se sublevan, a Colón y los amenazan con de tirarlo al agua, pero cuando su vida se ve en el mayor peligro, Rodrigo de Triana grita ¡Tierra! un 12 de octubre de 1492. Y ya sabemos el resto de la historia. De estas peripecias y atajos tenemos referencia por libros de navegación, al igual que por algunas cartas escritas a los reyes católicos y por los diarios de Colón.
Se dice que los diarios estuvieron perdidos y que Mamerto Ñañez Pinzón los recuperó, él publicó un diario anónimo y resultó ser de Colón. Referencias no se tienen, pero Aquiles Nazoa basa sus versos en el diario escrito por este personaje.
Es así como llegamos a 1970, fecha en la que el gran Aquiles Nazoa escribe su libro Humor y Amor. En éste aparecen dos textos que más adelante serán todo un éxito en la música venezolana al cobrar vida cuando el compositor venezolano Federico Ruiz les coloca música.
Muchas han sido las representaciones que se han realizado de Colón o de la llegada de los Europeos a América, pero pocas dejan ver las travesías por las que tuvo que pasar este almirante para convencer a los reyes, la corte. En Venezuela existen dos obras humorísticas que tocan el tema de Colón Job Pim y su obra Jabón de Castilla y otra de José Ignacio Cabrújas. Pero ninguna con la relevancia que ha tenido la de Aquiles Nazoa.
Aquiles Nazoa fue uno de los humoristas venezolanos más importantes del país del siglo pasado. Nace el 17 de mayo de 1920 en Caracas y fallece el 25 de abril de 1976 en un accidente de tránsito en la carretera Caracas- Valencia. En su vida escribió un sin fin de versos y varios libros en los que trataba temas políticos, de amor y de todo aquello en que se inspirara, pero su toque personal era el humor colocado en cada uno de sus escritos. Deja ver en ellos a ese criollo que al encontrarse encerrado en sus mismos problemas, se ríe de ellos.
Y ya que tanto se habla de la “conquista” y de la “educación” que nos dieron los españoles que llegaron a nuestra tierras, ¿qué mejor personaje para hacernos reír un poco con sus dificultades en el viaje que el mismo “Descubridor”? Y así es como Nazoa nos presenta en dos textos “Importancia y proyección de la ñema de Colón” y “Los martirios de Colón, fragmento de un diario escrito por el famoso erudito Mamerto Ñañez Pinzón”, a un almirante algo fuera de lo común.
Es sobre estos textos que Ruíz realiza esta ópera venezolana. Para 1983 había terminado el libreto, pero fue en 1993 cuando es presentada. Tuvo gran aceptación en el público asistente, la identificación no solo de la historia, sino con la música, le otorgó un éxito rotundo. Federico Ruíz hizo del almirante genovés un completo venezolano. En la opera, se oye desde cha-cha-chá, pasando por un joropo hasta rondas infantiles. Es una unificación de estilos propios en una historia que nos involucra a todos.
La historia es contada en dos actos por un narrador, es un personaje neutral. En palabras del propio compositor es “una especie de andrógino, un personaje femenino vestido con ropa de hombre”. El otro personaje es la reina, es seria, con varios problemas, pero a pesar de lo majestuosa que es algunas veces se deja llevar por Colón. El tercer personaje es Colón, no se toma nada en serio, es un “mamador de gallo”. Existen otros personajes como los marineros que es representado por un coro. La obra esta llena de momentos jocosos, tiene tan solo un momento de drama y es cuando el almirante se encuentra en peligro, pues lo quieren lanzar al agua, aquí hace presencia un aria al mejor estilo de las óperas italianas:
¡No lo hagáis, pues es grotesco
Que yo, tan noble y honrado,
Tenga por tumba un pescado
Que a lo mejor no es ni fresco!
¡Oh! ¡Que desgracia la mía!
¡Morir como una langosta
Junto a un peñón de la costa
Que bate el mar noche y día!
La ópera pasa por varias etapas de la música, sin estacionarse en ninguna. Inicia con características antifonales, teniendo características al estilo de Verdi, Haendel, Wagner, tiene además características de la ópera buffa y la zarzuela, todo adaptado al mejor estilo venezolano.
Esta es la quinta vez que el Teatro Teresa Carreño presenta esta ópera que sin duda alguna obtendrá el mismo éxito que en las ediciones pasadas. Con una nueva propuesta escenográfica y un cartel de cantantes jóvenes, nos brinda la oportunidad junto a la Orquesta Sinfónica de la Opera, de adentrarnos una vez más en esta divertida forma de ver la historia de Colón y su travesía para llegar a América.
© Centro Documental
Fabiana Sans Arcílagos
Investigadora
Investigadora
Texto publicado en el programa de mano “Los Martirios de Colón” Agosto 2006 y Octubre 2007.
El ballet Teresa Carreño: del Romanticismo al Neoclásico
El ballet como espectáculo nace en las cortes italianas de la época del Quattrocento, entre danzas y bailes de tradición popular. Sin embargo, no es sino hasta la boda de Margarita de Lorena y Enrique III en Francia (1581) que se creó el primer ballet del cual se conoce la partitura completa, llamado: "El Ballet Cómico de la Reina", creado por un coreógrafo italiano, por órdenes de Catalina de Médicis para animar el matrimonio de su hijo Enrique III.
Con el "Ballet Comique de la Reine" fue la primera vez que un elenco de bailarines se sometían a una coreografía. Para 1661, el Rey Sol, Luis XIV, abre paso a la danza clásica profesional, cuando funda la Academia Royale de Musique et Danse. Esta institución admitió por primera vez a las mujeres, y además el pago por bailar en la compañía del Rey. Hasta entonces los hombres tenían a su cargo todo tipo de papeles. Las primeras bailarinas aparecieron en escena en 1681 en un ballet llamado Le triomphe de l'amour.
En el siglo XVIII destacaron las bailarinas, Marie Ann Camargo y María Sallé, quienes entorpecidas en el baile por lo incómodo de los vestuarios, pelucas y tacones, decidieron acortar sus faldas y adoptar el uso de zapatillas sin tacón para mejorar la ejecución de sus saltos y piruetas. Aunque la danza en puntas se desarrolló a principios del siglo XIX, no fue sino en 1832, en París, cuando la presentación de la bailarina María Taglioni en el ballet La Sílfide, que se perfeccionó su trabajo. Iniciándose una nueva etapa en la historia del ballet. Esta coreografía no sólo tiene el mérito de haber presentado de forma larga y continua a una bailarina sobre la punta de sus pies, sino en ser la primera coreografía que inauguró la era de los llamados Ballets Románticos. Entre estos últimos, se destacan El diablo cojo (1836) y Giselle (1841). Desde entonces hasta ahora este arte ha recorrido un largo camino.
En la segunda mitad del siglo XIX la calidad de los espectáculos de
ballet comenzó a descender notablemente. Sólo en Rusia se mantuvo un alto nivel en la práctica y espectáculos de este arte, gracias al trabajo del coreógrafo francés Marius Petipa, quien era el director de coreografía del Ballet Imperial Ruso. Petipa perfeccionó el ballet con argumento largo y fue el autor de los famosos Ballets de Tchaikovsky: El cascanueces, La bella durmiente, El lago de los cisnes, entre otros. Estos ballets de Tchaikovsky fueron casi todos rechazados en sus primeras presentaciones, en lo que no contribuía su música, la cual era desagradable para el público.
En este panorama, Serge de Diaghilev, un hombre de negocios, se unió a uno de los mejores coreógrafos de estos tiempos: Mikhail Fokine. Fokine y Diaghilev experimentaron nuevos temas y estilos de movimiento, abriéndole nuevos horizontes al ballet, donde se apreciaba la innovación y la vitalidad. Ellos fueron los autores de espectáculos de la talla de El pájaro de fuego, Petrushka, El espectro de la rosa, La muerte del cisne, ballets que les darían la fama y el sitial de honor a Vaslav Nijinsky y a Anna Pavlova, respectivamente.
Con Diaghilev, la influencia rusa llegó a todos los países del mundo occidental. Muchos de sus bailarines, al llegar la II Guerra Mundial, se fueron quedando en los países a los cuales iban durante las giras: George Balanchine se quedó en Estados Unidos, Marie Rambert y Ninette. Por su parte, De Valois retorno a Inglaterra. Ya antes, desde 1920, el ballet se había extendido a toda Europa y América, masificando la técnica y coreografía de los ballets rusos a otros países. De allí que se considere que la influencia rusa sobre el ballet es enorme. Hoy, el repertorio de las compañías de ballets es tan variado como infinito. Sin embargo, aunque bailarines y coreógrafos intentan constantemente innovar, ya sea desde el punto de vista técnico o expresivo con sus creaciones artísticas, la base del ballet clásico se mantiene en la actualidad. Muchos de los nuevos ballets que son recreaciones de antiguos con montajes novedosos. Sus posiciones y pasos son la esencia de cualquier montaje y siguen siendo la pauta de este difícil arte del movimiento. El Ballet Teresa Carreño como parte de ese contexto se desplaza desde el Romanticismo al Neoclásico. Los Pas de deux de Diana y Acteón, El corsario y Espartaco, así como El Amor brujo, son una muestra.
El primero, Diana y Acteón, que muestra la rivalidad en las artes de la caza de esos famosos personajes mitológicos, es producto de un proceso iniciado en 1844. En esta fecha, Jules Perrot creó Esmeralda, ballet inspirado en la novela de Víctor Hugo Nuestra Señora de París, con música de Cesare Pugni. Coreografía a la que en 1886, Marius Petipa le dio una nueva versión, con música de Riccardo Drigo, agregandole varios bailables. Uno de ellos fue el Diana y Acteón.
El ballet El corsario se estrenó en la Ópera de París en 1856, con coreografía de Joseph Mazilier inspirada en el poema de Lord Byron.
La tercera pieza, Espartaco, es un ballet en tres actos y diez escenas. Fue estrenado el 27 de diciembre de
Finalmente, El amor brujo es un ballet en un acto, estrenado como representación escénica en el Teatro Lara de Madrid. En el mismo, donde es notable el predominio de modos arcaicos y exóticos, se narra la historia de amor entre Candela, una gitana poseída por el espíritu de un antiguo pretendiente muerto, y Carmelo. Éste se disfraza de espectro en la "Danza del fuego" para liberar a su amada del embrujo.
© Centro Documental
Jesús Eloy Gutiérrez
Jefe Unidad Centro Documental
Texto publicado en el programa de mano “Del Romanticismo al Neoclásico” Mayo 2006
Jefe Unidad Centro Documental
Texto publicado en el programa de mano “Del Romanticismo al Neoclásico” Mayo 2006
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